Д. Еремеев

В 19 в. Османская империя, давно ставшая полуколонией западных держав, все больше приходит в упадок, теряя остатки экономической и политической независимости. В то же время, особенно с середины 19 в., в Турции усиливаются тенденции капиталистического развития, хотя засилье духовенства в жизни страны мешает освоить достижения науки, техники и культуры Запада. Поэтому наиболее дальновидные представители правящего класса начинают сознавать необходимость реформ. В «период танзимата» (период реформаторства 20-70-х гг. 19 в.) реформы в области экономики, культуры и просвещения приобретают довольно широкий размах, объективно расчищая путь.тенденциям капиталистического развития. Появляются зачатки светского образования. Переживает подъем турецкая литература и искусство. Растет тяга к знакомству с идеями, культурой и искусством буржуазного Запада. Султан Абдул-Азиз (1861-1876), меценатствующий монарх и любитель живописи, впервые посылает во Францию специально для изучения европейского искусства нескольких турецких художников.

В 1876 г. принимается первая турецкая конституция. Однако в 1878 г. силы реакции на время одерживают победу: султан Абдул-Хамид II отменяет конституцию. Все же и мрачные годы «зулюма» -абдул-хамидовского абсолютизма - турецкое искусство хоть и медленно, но продолжало развиваться. Функционировала открытая в 1877 г. Школа изящных искусств, выпускники которой совершенствовали свое мастерство в Европе. В 1908 г. буржуазная младотурецкая революция кладет конец «зулюму». Младотурки осуществляют прогрессивные реформы, но в целом их деятельность носит ограниченный характер, и страна остается во власти духовенства и феодалов.

Драматизм истории турецкого искусства состоял в том, что до 19 в. оно было отгорожено стеной религиозных предрассудков от достижений западного искусства- «богопротивного дела гяуров», парализовано догматикой суннитского ислама. На протяжении нескольких веков поиски художника, скованного запретом изображать людей и животных, замыкались в безликой красоте орнамента и декоративной каллиграфии. В турецком изобразительном искусстве не было таких блестящих достижений, какими отмечены архитектура, ковроделие и керамика Турции. Исключение составляли немногочисленные миниатюры.

Образовавшийся разрыв между традициями средневекового турецкого искусства и достижениями западноевропейских пластических искусств был огромен. Турецкий художник как бы неожиданно оказался перед богатством этих достижений, увидел, какие безграничные возможности таятся в искусстве, воспевающем человека, его духовную красоту, прекрасное многообразие природы. Кроме того, без всякого перехода от плоскостной трактовки форм и орнаментального декоративизма он должен был овладеть техникой живописи маслом, графикой, акварелью, темперой, гуашью, перспективой, светотенью, заново научиться ваянию и т. д. и т. п. Это был настоящий переворот в турецком изобразительном искусстве.

Еще в начале 19 в. в турецкой миниатюре отчетливо сказывается влияние европейской живописи: появляются элементы перспективы и светотень. А с середины 19 в. миниатюра окончательно уступает место западным жанрам - пейзажу, натюрморту, даже портрету. С этого времени в турецком искусстве начинается непрерывная борьба между подражанием западноевропейским образцам («европеисты») и исканием оригинальных национальных форм («регионалисты»),

В начале 20 в. борьба за самобытное национальное искусство пробудила внимание к средневековому искусству Турции и особенно к турецкому народному творчеству, национальное своеобразие которого было неоспоримо. В связи с этим возникла новая проблема, явившаяся до некоторой степени камнем преткновения. Это было ярко выраженное стремление соединить уже освоенные достижения западноевропейского искусства со своеобразием турецких средневековых и фольклорных произведений. Однако ни содержание, ни формы, ни даже техника последних не укладывались, естественно, в рамки новых задач. Как бы ни были искусны усилия многих талантливых художников, они часто порождали лишь эклектические работы, возникшие, казалось, в результате добросовестной компиляции. К тому же еще были живучи каноны ислама. Многие художники избегали изображать человека и животных. Их главная тема - природа, излюбленный жанр - пейзаж. В пейзажах и натюрмортах - любопытный сплав западных и восточных приемов передачи действительности: художники преодолели плоскостную трактовку форм, умело подчеркивали перспективу. В то же время для них характерна скрупулезная манера письма в традициях миниатюристов. Такое сочетание нередко приводило к слащавому натурализму.

Осман Хамди (1842-1910) уже смело начинает изображать людей. Широко известны его картины «У писца» (Турция, частное собрание), «У оружейника» (Лондон, Британский музей), «Женщины во дворе мечети» (Турция, собрание Махмуда Джелялэддина), «Женщины в гареме», в которых он сочетает реалистический метод с отдельными приемами миниатюры, в частности композицию строит на резком сопоставлении контрастных цветов и изолированности фигур. Осман Хамди - крупный портретист. Его «Автопортрет в костюме араба» написан в реалистической манере, с любовью к мельчайшим деталям. Но в портретах чувствуются отголоски миниатюры, особенно в сочетании цветовых планов.

В 1908-1910 гг. большая группа турецких художников по окончании Школы изящных искусств была послана в Париж и Мюнхен. Здесь художники познакомились с импрессионизмом, который произвел на них огромное впечатление. С этого момента ряд художников надолго попадает под влияние импрессионизма, совершенно подавившего у них попытки поисков национальных форм. Правда, выразительные средства импрессионистической техники хорошо передавали «турецкий колорит», в экзотике которого черпали вдохновение эти художники,- романтику старого Стамбула, патриархальную тишину кофеен, мечетей и полузаброшенных кладбищ. Но все-таки это было подражание, а не оригинальное искусство. Импрессионистическое течение возглавляли Назми Зия (1881-1937) и Авни Лифиж (1886-1927). Впоследствии часть «турецких импрессионистов» перешла на позиции реализма (Ибраим Чаллы (р. 1884), Намык Исмаиль (1890-1935) и другие, а само это течение постепенно исчезло.

В первой мировой войне Османская империя потерпела поражение и распалась. Над самой Турцией нависла угроза раздела между державами Антанты. Турецкий народ поднялся на борьбу. Антиимпериалистическое национально-освободительное движение 1919-1923 гг., опиравшееся на помощь Советской России, завершилось победой. В Турции произошла буржуазная кемалистская революция. Страна была объявлена республикой.

Буржуазные преобразования сильно ударили по власти духовенства, ликвидировали многие патриархальные и феодальные пережитки. Они окончательно освободили художника от запрета ислама изображать человека. Многие художники участвовали своим творчеством в национально-освободительной борьбе, создав первый в истории страны оригинальный турецкий плакат, отражавший победы на фронте и самоотверженный труд в тылу. В строгом смысле слова это не был плакат - в нем сочетались черты лубка, миниатюры, массовой полиграфической картины, станковой живописи и собственно плаката. В дальнейшем турецкий плакат пропагандировал буржуазные преобразования в быту, успехи культурной революции. По приемам он стал более графичным.

В 20-30-х гг. в турецком изобразительном искусстве противоречиво сочетались различные творческие направления. В связи с ростом национального самосознания усилилось стремление избавиться от иноземных воздействий, обрести свою национальную форму в искусстве. Тем не менее не прекращалось активное взаимодействие с различными, порой прямо противоположными по идейно-художественному содержанию направлениями зарубежного искусства. С одной стороны, турецкое искусство испытывало влияние сезаннизма, кубизма и других формалистических течений, вплоть до абстракционизма, поборниками которых была Стамбульская Академия художеств с ее преподавателями-иностранцами. С другой стороны, на творчество ряда художников в эти годы сильное и благотворное влияние оказывало советское реалистическое искусство и прогрессивное искусство Запада.

Влияние советского искусства объяснялось не только тем, что в те годы существовали дружеские отношения между СССР и Турцией и художники этих стран знакомились с достижениями друг друга, но в какой-то мере и перекличкой тематики. Подобно тому как многие советские полотна того периода воспевали героику гражданской войны, так и турецкие картины отражают преимущественно события национально-освободительной борьбы. «Партизаны» и «Артиллеристы» Ибраима Чалды привлекают внимание реализмом своих образов. В «Последнем снаряде» Намыка Исмаиля драматично, без ложного пафоса передан напряженнейший батальный момент на фоне сдержанно-сурового, полного беспокойства пейзажа. Халиль Ибраим (р. 1906) в картине «Женщина на фронте» показал женщину-бойца; такое изображение женщины как бы приравнивало ее к мужчине, а это отражало громадный сдвиг в общественной жизни Турции.

Реализм нашел воплощение не только в батальных сценах. Много прекрасных произведений вышло из-под кисти Намыка Исмаиля, вообще очень внимательно относящегося к реальному миру. Его «Молотьба» (1930-е гг.; Стамбул, Музей) почти эпическая сцена сельского труда. Он любит красочность и солнечность пейзажей родной страны. В «Анкарской крепости» (Стамбул, Музей) художник ярко передал свое глубокое ощущение турецкой природы. Красоту ландшафтов Анатолии воспевают и реалистические пейзажи интересного живописца Халиля Дикмена.

Намык Исмаиль. Молотьба. 1930-е гг. Стамбул, Музей.

Халиль Дикмен. Анатолийский пейзаж.

Развитие республики выдвинуло совершенно новые для турецких художников темы и задачи. Появились картины, отражающие процесс преобразования культуры: «Пишущий крестьянин», «Революция в письменности», «Женщина за учебой» художников Хасана Фахри и Шерефа. II хотя трактовка образов звучала еще подчас наивно-сентиментально, сама идея - новаторская для турецкого искусства - придавала свежесть творческим замыслам этих картин.

В 1928 г. турецкий художник и искусствовед Нуруллах Берк (р. 1904) создал «Союз независимых художников», переименованный в 1933 г. в «Группу Д». Первоначально целью группы была борьба за самобытность турецкого искусства, против «академистов» как проводников западного влияния. В поисках национальных форм «Группа Д» обратилась к старинным миниатюрам и росписям, к турецкому народному творчеству. Эти поиски дали ряд произведений, отмеченных своеобразной оригинальностью. Так, в работах Тургута Займа (р. 1906) сочетаются традиции декоративного плоскостного искусства с тенденциями реалистического проникновения в тему. Выразительна цветовая гамма. Но типаж несколько Эстетизирован (триптих «Крестьяне», картина «Ковровщицы»). Иногда же традиция у него совсем заслоняет реалистическое видение мира. Например, в «Театре на, открытом воздухе» подражание миниатюре выразилось в вертикальной композиции, расположении персонажей фризообразными рядами, в статичности и угловатости поз.

Этому художнику близок по форме Джеват Дерели (р. 1899; «Анатолийская композиция»). Другой член «Группы Д», Джемаль Толлу (р. 1899), пытается использовать в своем творчестве пластику хеттских барельефов и скульптур. Нарочито примитивными, огрубленными формами своих произведений он подражает тяжелым и шероховатым, но пластически великолепным образцам этого древнейшего искусства («Бог земли»).

В «Группу Д» входили также график Абидин Дино (р. 1913) и скульптор Зюхтю Мюридоглу (р. 1906), давшие ряд интересных работ.

«Группа Д» сыграла определенную положительную роль в развитии турецкого искусства, особенно на первом этапе. Однако в 40-50-х гг. многие ее участники стали на позиции формализма в искусстве (Пуруллах Берн, Абидин Дино), а некоторые пришли к абстракционизму - Сабри Беркель (р. 1908), Бедри Рахми Эйюбоглу (р. 1913). Этому способствовало усиление влияния американских и европейских модернистских течений, чему в свою очередь благоприятствовала политическая обстановка в Турции после второй мировой войны (усиление реакции, отход от кемализма, сближение с империалистическими державами).

В 50-60-е гг. турецкое искусство развивается крайне противоречиво, что выражает обострение борьбы двух культур - прогрессивной и реакционной идеологии. Одна часть художников совершенно подавлена буржуазным модернизмом и рабски подражает ему, другая - внимательно относится к достижениям демократического искусства Европы и Америки. «Европеисты», главным образом художники Стамбула, слепо увлекаются западным, в основном модернистским искусством, а «регионалисты», группирующиеся в Анкаре, упорно ищут национальные турецкие формы, заимствуя в то же время и некоторые черты современного европейского искусства. Лучшие художники из среды «регионалистов» стремятся найти органическое сочетание национальных традиций, достижений мирового искусства и живых образов современности. Они черпают вдохновение в повседневности, в суровой жизни простых людей Турции (например, «Ловцы губок» Салиха Аджара (р. 1927), «Рыбаки» Дурана Караджи и другие произведения). Такое сочетание оказалось наиболее удачным в графике.

Один из талантливейших графиков - Мустафа Аслыэр, гравюры которого завоевали известность даже за пределами Турции. Его любимая тема - сельский быт Анатолии. Гравюры Аслыэра просты и впечатляющи по форме. В них преобладают резкие контуры, лаконичные, порой геометризированные фигуры, смело, ритмично, иногда симметрично расположенные. Художник опирается на народное творчество, широко используя четкий и контрастный рисунок турецких ковров и вышивок. Но при этом всегда для него на первом месте реальное содержание, живой образ.

Мустафа Аслыэр. Гравюра. 1950-е гг.

Невзат Акорал. Буйволы в воде. Гравюра. 1950-е гг.

Творческой манере Аслыэра близок стиль графики Невзата Акорала, Дурана Караджи, Салиха Аджара. Интересна графика Эрдогана Муииса. Ему присущи броские, смелые, как бы небрежно сделанные штрихи. Он живо откликается на все события внутри страны. Его рисунки на общественно-гражданские темы звучат как призывы к борьбе за прогресс, они плакатны в лучшем смысле этого слова. Например, в «Прогрессе и отсталости» символически показана борьба между старым и новым, реакционным и прогрессивным. В «Песнях свободы» изображены демонстранты, падающие под пулями, но не сломленные.

Турецкие художники прогрессивного реалистического направления своим творчеством борются против космополитической безликости абстракционизма и других формалистических течений, нивелирующих национальные особенности искусства. Они борются за самобытное турецкое искусство, отражающее жизнь народа и использующее богатые традиции народного творчества. Этим они вносят свой вклад в мировую культуру.

В архитектуре Турции в первые два десятилетия 20 в. наблюдались робкие попытки «турецкого ренессанса», не выходившие, однако, за рамки возврата к старым формам. Здания банков, министерств, правительственных учреждений строились в виде мечетей и дворцов. Их интерьеры приспосабливались к новым потребностям, а внешний вид воспроизводил старые формы.

После кемалистской революции начались поиски новых форм, которые сочетали бы национальное турецкое своеобразие с достижениями современной западноевропейской и американской архитектуры. При строительстве новой столицы Турции - Анкары впервые была произведена общая планировка города. Однако, несмотря на это, город был застроен разнохарактерно, так как в условиях буржуазного общества оказалось трудно противостоять стихийному потоку строительства. Среди хибар и лачуг, которых особенно много в старой части Анкары, разбросаны новые дома, в большинстве одноэтажные. Зданий в 5-8 этажей мало, а более высоких вообще нет.

Лучшие турецкие архитекторы имеют свой творческий почерк; в своих работах они сочетают конструктивизм с национальными и историческими традициями, увлекаются строгостью форм сельджукской архитектуры. Новые здания имеют скромный и простой облик: гладкие стены, оштукатуренные цементной крошкой, широкие окна и большие лоджии, удобные в южном климате, традиционные плоские крыши. Широко распространены балконы и эркеры. Умело используется декоративная керамика. Особняки украшены гладкими колоннами без баз и капителей, отделаны поливной глазированной мозаикой традиционных цветов - голубого, зеленого» бирюзового, изумрудного.

Бесспорным достижением турецких зодчих Эмина Оната и Орхана Арды является мавзолей Ататюрка - строгий, торжественный, впечатляющий по своей архитектуре.

Илке Кутлуй (Ilke Kutlay) - турецкий художник. Родился в Измире, в 1982 году. Учился в высшей школе изобразительных искусств в городе Измир. В 2001 году выиграл конкурс и получил стипендию для поступления в университет Мимар Синан на факультет изобразительных искусств. После окончания университета продолжил образование в мастерской Деврим Эрбиль, во главе с известными турецкими художниками Ялчин Караягиз и Айдын Аян.

Постигал основы живописи в мастерской Эрбиле 2 года, закончил обучение в 2007 году, после чего работал в частной студии. Показывал свои работы в провинции, в художественной галерее Casa Dell Arte, провёл две персональные выставки. В настоящее время живёт в городе Кутлуй и работает в собственной мастерской.

Турецкий художник. Ilke Kutlay

Портреты, как торжество человеческой формы. Mertim Gokalp

Мертим Гокалп (Mertim Gokalp) современный турецкий художник, родился в 1981 году, в Стамбуле и прожил там большую часть своей жизни. После окончания (с отличием) Академии изобразительных искусств Мимара Синана, он переехал в Австралию. В настоящее время живет в Сиднее и работает в студии "OnePlus 2 Studios".

"Для меня живопись - это синтез моих чувств, озарений, реакций и внутренней борьбы, это способ вдыхать и выдыхать... Мои картины, чаще всего, отражают различные психологические состояния людей. Живопись вообще и портретная живопись в частности, является одной из моих страстей, так как это отличный способ изучить основы человеческой психологии. Мои портреты, торжество человеческой формы. Как художник, я обучался в академии изобразительных искусств и всегда ценю и стараюсь жить в соответствии с научными стандартами, установленными мастерами живописи прошлого.

Я побывал во многих крупных музеях по всему миру, таких как Метрополитен в Соединенных Штатах, Уффици в Турции и Лувр во Франции и нигде не упускал возможности детально изучить великие шедевры. В течении многих лет живя в Стамбуле, городе, где Западные художественные идеи встречаются с Восточными, я в в равной степени проявлял интерес к восточному и западному изобразительному искусству, я изучил множество величайших произведений искусства Востока, в таких странах, как Египет, Корея или Сингапур. Вдохновение, полученное от этих работ стало, наряду с моими наблюдениями причиной рождения моего неповторимого стиля".

Портреты, как торжество человеческой формы. Mertim Gokalp

Современные художники Турции. Mustafa Orkun Muftuoglu

"В своих картинах, в качестве основной формы, я использую человеческую фигуру. Больше всего меня интересует сложение человека, детали его тела. Я пытаюсь увидеть реалии жизни и показать их публике, познакомить людей с окружающим миром, взяв человека как основу.
В моей живописи он проявляется иногда как определение, иногда в качестве эталона, а иногда и просто как сторонний наблюдатель".

Родился Мустафа Оркун Мафтуоглу (Mustafa Orkun Muftuoglu) в Турции, в 1973 году. В 1995 получил степень бакалавра на кафедре живописи факультета изобразительных искусств в университете Мимара Синана. Затем учился на факультет живописи в университете Мимар Синан, в окончил его в 1997 году со степенью магистра в области социологии. В настоящее время художник живет и работает в Стамбуле, Турция.

Современные художники Турции. Mustafa Orkun Muftuoglu

Фото-реалистичные картины. Comert Dogru

Мустафа Озбакир, талантливый турецкий художник , родился в Адане. Окончил мастерскую Джебраил Отгана на факультете изящных искусств в университете Мерсине в 2005 году. В том же году он выиграл приз на 66-ом государственном конкурсе живописи и скульптуры. В 2006 году он получил первую премию на втором конкурсе живописи имени мэра Умрание. В 2008 году он получил премию на 69-ом конкурсе живописи и скульптуры. В настоящее время Озбакир продолжает писать в своей мастерской в родном городе Адане.

Туна родился в 1976 году, в настоящее время живет в Кайсери, Турция. Работает на факультете графического дизайна университета Erciyes в городе Кайсери в качестве инструктора, передает студентам свои знания об иллюстрации. Также последние 5 лет работает внештатным медицинским иллюстратором. Взгляните на его потрясающие рисунки , выполненные карандашом .

Махир Атес талантливый турецкий художник , который работает в сюрреалистической манере, но с отпечатком высокой степени реализма, накладываемым на свои произведения. Трудно поверить, что когда-то он изучал химию и несколько лет проработал инженером, прежде чем окончательно решил посвятить свою жизнь живописи.

Япония – страна древних традиций. Особенности менталитета и культуры влияют на способы возведения загородного дома.

Если в нашем понимании дом – это зачастую каменная крепость, то у японцев совершенно другой подход.

В подавляющем большинстве случаев, загородный дом в Японии собирается по каркасной технологии.

Отсюда кажущаяся хрупкость и непрочность такой конструкции.

Но, по мнению японцев, только такая технология позволяет создавать дома, которые становятся продолжением самой природы. «Не навреди» – вот тот лозунг, которого придерживаются японские строители.

Начать освоение участка с масштабных земляных работ – не вариант для японцев. Ввоз и вывоз кубометров песка, щебня, земли не приветствуется. Японские архитекторы и строители больше озадачены тем, как «вписать» дом в ландшафт так, чтобы как можно меньше использовать тяжёлую технику. Да и сами традиционные японские дома в корне отличаются от всего того, что приходит в голову при словосочетании: «загородный коттедж».

Мы уже рассказывали пользователям сайта об особенностях . Климатические условия этой страны накладывают ограничения на хорошо зарекомендовавшую себя технологию. Разрушительные землетрясения, угроза цунами, повышенная влажность и сильные ветра заставили японцев выработать свой – особый – подход к строительству.

Зачем строить капитальный каменный дом, который может быть полностью разрушен при землетрясении в 7-8 баллов или ураганном ветре? Ведь он всё равно не устоит перед напором стихии. Кроме этого, если такое строение обрушится, то оно погребёт под собой всех жильцов. Частные дома в Японии представляют собой быстровозводимые деревянные конструкции. По замыслу японцев, срок службы такого дома составляет от 10 до 20 лет, после чего он либо морально устареет и его придётся ремонтировать. Японцы, вместо бесконечных переделок и достраиваний, предпочитают полностью снести дом, а на его месте построить более современное жилище.

Главный японский феномен загородного строительства заключается в том, что дома, как и квартиры, со временем только дешевеют. Например, если семья въезжает в новую квартиру в многоэтажке, то через год цена на неё падает. Принцип «построю сегодня подешевле – продам завтра подороже» не работает. Квартиры и дома покупаются в кредит, сроком на 30 и более лет, под 2-3% годовых. Ценность представляет только земля под застройку.

Поэтому часть японцев предпочитает не покупать, а снимать жильё. Это особенно распространено среди неженатых служащих и менеджеров среднего звена. Снять квартиру можно, только прибегнув к услугам агентства. Квартиры обычно арендуются на 1 год. После чего, если жильцов и хозяев квартиры всё устраивает, аренда продлевается, а размер арендной платы не меняется в течение многих лет.

Также большой интерес представляет традиционный японский дом и способ его строительства. Основой дома является деревянная платформа, на которую опираются колонны из бруса. Фундамент зачастую самый простой – столбчатый, подвала нет, есть лишь техническое подполье: высотой от земли 0.5 метра, в котором проводятся все необходимые коммуникации.

Крыша дома имеет большие свесы. Это защищает стены от ливней и палящего солнца. В качестве кровельного покрытия используется керамическая черепица.

Утепление дома нередко отсутствует. Стен таких, как принято у нас, в традиционном японском доме также нет. Промежутки между колоннами закрываются деревянными каркасами из реек, на которые наклеивается плотная, устойчивая к ветру и влаге рисовая бумага. И хотя в последнее время на смену бумаге пришли более современные материалы – стекло и деревянные стеновые панели, многие японцы предпочитают использовать именно бумагу ручной выделки.

На панелях стоит заострить внимание. По сути, традиционный японский дом представляет собой одно большое помещение без комнат. Определённые места отведены только под кухню, туалет и ванную комнату. Зонирование пространства осуществляется при помощи всё тех же деревянных перегородок, которые вставляются в специальные пазы. При необходимости перегородка сдвигается либо полностью убирается. Таким образом, внутреннее пространство дома постоянно меняется. Главе семейства нужен кабинет? Перегородки сдвигаются, и получается небольшая уютная комната, где можно посидеть с ноутбуком. Собрались гости – перегородки убираются, а несколько комнат превращаются в одно большое помещение. Хозяева решили лечь спать, перегородки вновь устанавливаются на место, и получается спальня.

Любая комната, в зависимости от настроения владельцев дома и необходимости, может стать гостинной, столовой или детской.

Шкафы, массивная мебель также отсутствуют. Все вещи хранятся в стенных нишах, закрываемых всё теми же перегородками. Кроме внутренних перегородок, легко убираются и внешние. Это связано с менталитетом японцев, которые любят ощущать единение с природой. Получается, что дом распахивается наружу, а его внутренне пространство становится продолжением ландшафта на участке. В случае ветра или дождя, перегородки быстро устанавливаются на место.

Подобный подход позволяет подстраивать коттедж под ландшафт и строить запоминающиеся дома со своим лицом.

Площадь стандартного японского дома составляет от 120 до 150 кв. метров. Больше чем в два этажа строить не принято. Чердачное помещение используется как одна большая кладовка. Устроить там жилые комнаты обычно никому не приходит в голову. Средняя площадь квартир составляет от 60 до 70 кв. м для женатых японцев и 30-50 кв. м для холостяков (в этом случае квартира используется как место для сна и отдыха). Причём, площадь измеряется не в квадратных метрах, а в традиционной японской единице измерения – татами. Она равняется 180х90 см. Количество комнат в квартире или доме обозначается так – «2LDK»,где:

• L – Гостинная. Это основная характеристика, влияющая на стоимость недвижимости.
• D– Столовая.
• K – Кухня.

О том, что в доме есть ванная комната и туалет, обычно не пишется, но по умолчанию квартира или дом без этих помещений не продаётся.

Всем известна страсть японцев к чистоте. При входе в японский дом принято снимать обувь и ставить её на специальную площадку, находящуюся чуть ниже уровня пола.

Особый интерес представляют ванная комната и туалет, которые всегда делаются в виде раздельных помещений.

Причём туалет японцы стремятся разместить в самом неприметном месте, подальше от жилых комнат. Страсть к чистоте доходит до того, что при посещении туалета принято пользоваться специальными пластиковыми тапочками, в которые переобуваются при посещении этого помещения.

В ванной комнате часто устанавливается стиральная машина, также помещение полностью гидроизолируется. Это делается по следующей причине. Японцы с детства привыкают экономить все ресурсы.

Вода не является исключением. Принятие горячей ванны – национальная традиция, но сливать в канализацию эту воду не принято. После принятия ванны японец выходит из неё, становится на пол и моется под душем.

Таким образом, вода в ванне не смешивается с мыльной пеной и используется повторно, например, для стирки белья или направляется в смывной бачок в туалете.

Ещё одна местная особенность – это отказ от смесителей с горячей и холодной водой. В ванне или на кухне ставится два крана – один с холодной водой, другой с тёплой, нагретой до комфортной температуры. По мере необходимости, включается или первый, или второй. Бережливые японцы считают, что это уменьшает энергозатраты, т.к. нет необходимости нагревать воду до высоких температур и затем разбавлять её холодной.

В квартиры, как и в дома, может подаваться только холодная вода. Вода нагревается в газовом или электрическом бойлере.

Несмотря на отсутствие суровых зим (за исключением префектуры Хоккайдо), в зимний период времени дома необходимо отапливать. В Японии не популярна система отопления с котлами, теплоносителем и стационарными радиаторами.

Японские дома чаще всего отапливаются индивидуальными переносными газовыми или керосиновыми нагревателями. И хотя одним из главных недостатков такого отопления является лёгкий запах сгорающего топлива и необходимость проветривания помещения, японцы готовы мириться с этими недостатками из-за дороговизны центрального подключения газа или же установки на участке газгольдера. Также популярно электрическое отопление, например, кондиционерами, работающими в режимах лето/зима, и инфракрасными обогревателями.

Часто такие обогреватели выполнены в виде картин и развешаны по дому на стенах, так что с первого взгляда и не определишь, что это – элемент отопления. Кроме этого, особой популярностью пользуются электрические коврики, на которых можно лежать или сидеть, таская их с собой по дому.

Напряжение в японской электросети составляет 100 В при частоте в 50-60 Гц.

Отличительной чертой японцев является то, что они живут «в плоскости пола». Например, семейный ужин чаще всего проходит за одним низким столом, за которым устраиваются все домочадцы, сидя не на стульях, а на плотно сбитых подушках. Такие столики («Котацу» ) оснащены электрическим обогревателем. В холодное время года, ужиная за таким столом, его накрывают стёганым одеялом, под которое все просовывают ноги. Считается, что это объединяет всех членов семьи, кроме того, так гораздо теплее.

Чтобы не замёрзнуть ночью, японцы одевают термобельё и укрываются электрическими одеялами. Таким образом, заботы об отоплении полностью ложатся на плечи японских квартиро- и домовладельцев.

Подведя итоги, можно сказать, что традиционный японский дом – это непривычное западным домовладельцам, сугубо утилитарное жилище. Японцы и не делят мир на внутренний и внешний. Дом должен иметь ауру, схожую с тем местом, где он возводится. Традиционный дом по-японски включает в себя пять составляющих:

• компактность;
• минимализм в вещах и интерьере;
• удобство проживания;
• использование экологически чистых материалов;
• максимальная функциональность и интеграция в ландшафт.
, можно наглядно убедится в том, что круглый дом-геосфера – это здорово и необычно!